Verdi e il Melodramma

Pochi compositori hanno saputo intrecciare la propria vita con la storia di una nazione quanto Giuseppe Verdi, il cui nome divenne, durante il Risorgimento, un simbolo di aspirazioni politiche che il pubblico leggeva nelle sue opere. Nato nel 1813 a Le Roncole, un piccolo villaggio vicino a Busseto, nel ducato di Parma, in una famiglia di modeste condizioni, Verdi scoprì la musica da bambino e fu aiutato da un mercante locale, Antonio Barezzi, che ne intuì il talento. Nel 1832 il Conservatorio di Milano non lo ammise, e il giovane dovette studiare privatamente, un episodio che dimostra come anche i grandi artisti conoscano le delusioni. Questo saggio si propone di chiarire che cosa intendiamo per melodramma, di seguire il percorso di Verdi e di valutare fino a che punto la sua musica sia stata davvero politica. In italiano il termine melodramma designa il teatro d'opera dell'Ottocento, un genere in cui il dramma si esprime attraverso il canto e in cui le passioni, spesso portate al limite, vengono rese attraverso melodie memorabili. Il genere ebbe un successo popolare enorme, perché i teatri d'opera erano luoghi di ritrovo sociale, e le arie più celebri venivano canticchiate per le strade, adattate dalle bande e riprodotte sugli organetti. Un'opera consisteva di solito in una successione di numeri chiusi, come arie, duetti, concertati e cori, collegati da recitativi, e la struttura permetteva ai cantanti di mettere in mostra le proprie qualità vocali. Verdi ereditò questa forma da Rossini, Bellini e Donizetti, ma la piegò progressivamente a esigenze drammatiche più rigorose, riducendo i virtuosismi gratuiti e dando più peso alla verità psicologica dei personaggi. Nello stesso anno, il 1813, nacque in Germania Richard Wagner, e il confronto fra i due compositori è diventato un classico della storia della musica. La carriera di Verdi fu segnata da gravi lutti: negli anni tra il 1838 e il 1840 morirono i due figli piccoli e la giovane moglie Margherita Barezzi, e il compositore, sconvolto, pensò di abbandonare per sempre il teatro. Il successo di Nabucco, andato in scena alla Scala nel 1842, lo convinse a riprendere il lavoro, e quell'opera, ispirata alla storia biblica dell'esilio degli ebrei a Babilonia, fece di lui un compositore di fama nazionale. Il coro Va, pensiero, in cui gli esuli rimpiangono la patria perduta, fu spesso letto dal pubblico italiano come un'allusione alla situazione politica del paese, sebbene gli storici discutano ancora quanto questa lettura sia stata immediata e quanto sia stata rafforzata più tardi. Più sicuro è il fatto che durante il Risorgimento la scritta Viva VERDI comparve sui muri di molte città, perché le lettere formavano l'acronimo di Vittorio Emanuele Re d'Italia, e permettevano di manifestare idee unitarie senza esporsi alla censura. Dopo l'unificazione, Verdi fu eletto deputato nel primo parlamento italiano, su richiesta del conte di Cavour, ma si dimostrò poco interessato alla politica attiva e preferì tornare alla sua tenuta agricola di Sant'Agata, dove amava occuparsi dei campi. La censura fu un problema costante per i compositori dell'epoca, perché gli Stati italiani sorvegliavano con attenzione i soggetti teatrali, e Verdi dovette spesso modificare ambientazioni e personaggi. Per Rigoletto, andato in scena a Venezia nel 1851, il re di Francia della fonte letteraria diventò un duca di Mantova, e per Un ballo in maschera la vicenda, originariamente situata in Svezia, fu trasferita a Boston. Rigoletto, Il trovatore e La traviata, composti nel giro di pochi anni tra il 1851 e il 1853, formano la cosiddetta trilogia popolare, e sono ancora oggi fra le opere più rappresentate in tutto il mondo. La traviata, tratta dal romanzo La signora delle camelie di Alexandre Dumas figlio, racconta la storia di una cortigiana, Violetta, che sacrifica il proprio amore alle convenzioni sociali, e scandalizzò parte del pubblico per la modernità del soggetto. Il suo successo si deve al fatto che Verdi, anziché giudicare la protagonista, ne mostra la fragilità e la dignità, e ci invita a riflettere sull'ipocrisia di una società pronta a condannare chi non rispetta le regole. Nei decenni seguenti la sua scrittura si fece più complessa e meno legata agli schemi tradizionali, come dimostrano Don Carlos, Aida e soprattutto le due ultime opere, Otello e Falstaff. Aida, commissionata dal viceré d'Egitto e rappresentata per la prima volta al Cairo nel 1871, unisce il fasto delle scene collettive all'intimità del conflitto fra amore e dovere. Con il poeta e compositore Arrigo Boito, Verdi realizzò Otello, nel 1887, e Falstaff, nel 1893, due capolavori ispirati a Shakespeare, il secondo dei quali, una commedia piena di ironia, sorprese chi lo considerava ormai interprete soltanto del dramma. Il fatto che un compositore quasi ottantenne abbia dato vita a una commedia così fresca e brillante resta uno dei casi più sorprendenti della storia della musica. Verdi fu anche un uomo di carattere schivo, diffidente verso le celebrazioni e poco incline a parlare di sé, e ideò e finanziò una casa di riposo per musicisti anziani a Milano, aperta dopo la sua morte, dove riposa accanto alla seconda moglie, il soprano Giuseppina Strepponi. Alla sua morte, nel gennaio del 1901, il lutto fu sentito in tutto il paese, e il trasferimento della salma alla casa di riposo, qualche settimana dopo, fu accompagnato da una folla enorme. Ci si può chiedere se oggi l'opera lirica abbia ancora un ruolo nella vita culturale di un paese, in un'epoca dominata dalle immagini digitali e da intrattenimenti immediati. Chi è scettico sottolinea i costi elevati delle produzioni e l'età media del pubblico, mentre chi la difende ricorda che l'opera continua ad attrarre nuovi spettatori grazie alle trasmissioni, ai festival e alle regie innovative. In ogni caso, le opere di Verdi continuano a essere rappresentate in teatri di ogni continente, e la loro forza risiede nell'universalità dei sentimenti che raccontano: l'amore, la gelosia, il dovere, il perdono. Se Verdi non avesse saputo coniugare l'immediatezza della melodia con la profondità del dramma, la sua musica sarebbe rimasta probabilmente un prodotto del suo tempo, e non un patrimonio ancora vivo. Il melodramma, spesso accusato di eccesso sentimentale, si rivela così uno strumento capace di rendere visibili conflitti interiori che le parole da sole faticherebbero a esprimere. Per questo, ascoltare Verdi non significa soltanto visitare un museo di emozioni ottocentesche, ma anche riconoscere nella scena d'opera una forma di verità emotiva che ci riguarda ancora da vicino.

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