Fellini e il Cinema Onirico

Pochi registi hanno dato il proprio nome a un aggettivo di uso comune come Federico Fellini, tanto che nella lingua italiana si dice felliniano per indicare ciò che è visionario, eccessivo, onirico e insieme malinconico. Nato a Rimini nel 1920 e morto a Roma nel 1993, Fellini attraversò quasi cinquant'anni di cinema italiano, passando dal clima del dopoguerra alle trasformazioni del boom economico, e poi alla stagione della televisione commerciale. Come mai un regista che aveva cominciato accanto ai neorealisti arrivò a costruire un universo tanto personale, popolato di circensi, prelati, attrici e fantasmi d'infanzia? Vedremo che la risposta sta nel modo in cui Fellini concepiva il cinema, ossia non come specchio della realtà, ma come spazio in cui il sogno e il ricordo hanno uguale dignità del reale. Prima di dirigere, Fellini lavorò come vignettista e come autore di testi per la radio e il varietà, e collaborò alla sceneggiatura di Roma città aperta di Rossellini, un'esperienza che lo mise in contatto con il cinema più innovativo dell'epoca. I suoi primi film, come I vitelloni, del 1953, raccontavano la vita di provincia con ironia affettuosa, ma già lasciavano intravedere una sensibilità distante dal rigore documentaristico dei neorealisti. Con La strada, del 1954, interpretato da Giulietta Masina, sua moglie, e da Anthony Quinn, Fellini ottenne un successo internazionale e il primo dei suoi premi Oscar per il miglior film straniero. La vicenda di una ragazza ingenua venduta a un artista di strada brutale rivela già un tema ricorrente della sua opera, quello della fragilità umana che si nasconde dietro la maschera dello spettacolo. Giulietta Masina fu la sua musa, e in Le notti di Cabiria, del 1957, interpretò una prostituta romana ingenua e indomita, un ruolo che le valse un premio a Cannes e che confermò la sua fama. Il vero salto avvenne nel 1960 con La dolce vita, un affresco della Roma mondana del boom economico che seguiva le notti di un giornalista, interpretato da Marcello Mastroianni, fra feste, scandali e incontri senza esito. Il film vinse la Palma d'oro al Festival di Cannes, suscitò polemiche feroci in Italia, dove fu accusato da alcuni di immoralità, e rese celebre nel mondo la scena in cui Anita Ekberg fa il bagno nella Fontana di Trevi. Da uno dei personaggi, un fotografo di nome Paparazzo, derivò inoltre il termine paparazzi, che oggi si usa in molte lingue per indicare i fotografi a caccia di personaggi famosi. Tre anni dopo, in 8½, Fellini raccontò la crisi di un regista che non riesce a trovare l'ispirazione per il suo prossimo film, e trasformò il proprio blocco creativo in uno dei capolavori più riflessivi sulla natura dell'arte. Il film mescola ricordi d'infanzia, desideri, sensi di colpa e fantasie in un flusso continuo, dove non è sempre facile distinguere ciò che accade da ciò che il protagonista immagina. Alcuni critici, vedendo nel protagonista un riflesso del regista, hanno interpretato il film come una confessione, mentre altri lo hanno letto come una dichiarazione di poetica sull'impossibilità di separare la vita dalla creazione. Il rapporto di Fellini con il sogno non fu un semplice espediente stilistico, ma una vera pratica quotidiana: per anni egli annotò e disegnò i propri sogni in un grande quaderno, che fu pubblicato dopo la sua morte con il titolo Il libro dei sogni. Egli si interessò alle teorie dello psicologo Carl Gustav Jung e frequentò uno psicoanalista junghiano, Ernst Bernhard, e da queste frequentazioni trasse l'idea che l'inconscio fosse una riserva inesauribile di immagini. Se Fellini si fosse limitato a riprodurre la realtà visibile, il suo cinema non avrebbe mai raggiunto quella dimensione fantastica che lo contraddistingue, e che gli permette di trasformare un corteo di provincia in una visione quasi religiosa. Gran parte dei suoi film fu girata a Cinecittà, nel celebre Teatro 5, dove il regista ricostruiva interi ambienti, dal ponte di una nave alle strade di Rimini, preferendo la libertà dell'artificio al vincolo del luogo reale. Nel 1973 uscì Amarcord, un titolo che richiama l'espressione romagnola con cui si dice mi ricordo e che racconta, in una piccola città di mare simile a Rimini, un anno di vita di una comunità di provincia durante gli anni Trenta. Il film, che vinse l'Oscar per il miglior film straniero, non offre una ricostruzione storica fedele, bensì un ricordo deformato dall'affetto e dall'ironia, in cui i personaggi, dall'affascinante Gradisca ai parenti litigiosi, appaiono insieme comici e commoventi. La musica di Nino Rota, compositore legato a Fellini da una collaborazione di quasi trent'anni, contribuì in modo decisivo all'atmosfera di molti film, con melodie che oscillano fra il circo, la nostalgia e la farsa. Il cinema di Fellini è quindi un cinema di immagini e di suoni, in cui la sceneggiatura, per quanto importante, non basta a spiegare l'effetto finale. Negli anni successivi Fellini realizzò opere sempre più stilizzate, come Satyricon, del 1969, ispirato a un testo latino, e Roma, del 1972, un omaggio personale alla capitale, in cui realtà e visione si fondono. Con Ginger e Fred, del 1986, rivolse uno sguardo critico alla televisione commerciale, che considerava una minaccia per la sensibilità del pubblico e per la dignità dello spettacolo. Non tutti i critici apprezzarono questa evoluzione: alcuni rimproverarono al regista un compiacimento per l'artificio e una certa ripetitività di motivi, come le grandi donne e i cortei grotteschi, mentre i suoi ammiratori vi videro la coerenza di un autore fedele al proprio mondo interiore. Nel 1993, pochi mesi prima di morire, ricevette un Oscar alla carriera, che si aggiungeva alle quattro statuette ottenute per il miglior film straniero. L'eredità di Fellini è visibile in registi di tutto il mondo, che ne hanno ripreso l'estetica del sogno, e in numerosi film che citano le sue scene più celebri. Se guardiamo a lui come a un semplice creatore di immagini spettacolari, rischiamo però di trascurare la profondità della sua riflessione sul rapporto fra arte e vita. Per Fellini il sogno non era una fuga dalla realtà, bensì un modo di attraversarla più a fondo, e il cinema era lo strumento che permetteva di condividere con gli spettatori quelle visioni. Questa convinzione spiega perché i suoi film, benché legati a una stagione precisa, continuino a essere rivisti con curiosità e talvolta con commozione. Il lettore che desideri avvicinarsi al suo mondo potrebbe cominciare da La strada o da 8½, per poi lasciarsi guidare dalle immagini senza pretendere di spiegarle tutte. Del resto, come suggeriscono i film stessi, a volte un sogno non va interpretato ma semplicemente vissuto, e il piacere dello spettacolo consiste proprio in questo abbandono.

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